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Shuarma estará en Zaragoza los días 30 y 31 de marzo, tocando en el Teatro del Mercado presentando su nuevo trabajo, Grietas.
Por este motivo, hemos querido hacerle una preguntas sobre su música y su último disco:

-Antes de comenzar, nos gustaría tener un par de cafés entre nosotros porque, tenemos entendido, es una de tus debilidades.

La verdad es que sí. El café es necesario para mí… Bueno; lo reconozco, estoy enganchado!

-Una persona tan cuidadosa con los detalles no llama Grietas a su álbum porque sí o, al menos, nos negamos a creer que no tenga un sentido.

En Japón hay una corriente filosófico-cultural muy antigua llamada Wabi-Sabi en la que, entre muchas otras cosas, hablan de ese tipo de “accidentes”  como algo bello ya que reflejan el paso del tiempo. Creo que es una manera de enfrentarse a la vida muy bonita. Saber ver en el deterioro de una pared la cantidad de historias que la han hecho así, creo que es algo sutil y misterioso.

-La vida es el camino que recorremos mientras somos conscientes. ¿Hacia dónde camina Shuarma, el cantante?

No lo sé, hacia donde todo esto me lleve. Lo que sí me importa es ser consciente de lo que me ocurre y vivirlo plenamente, tanto las penas como las alegrías.

-Escribes lo que sientes. ¿Por qué?

Probablemente porque no se hacerlo de otra manera. Es una forma de liberarme de algo. Siento como el peso cede cuando consigo soltar algo que me atormentaba y estaba dentro escondido.

-¿Y qué sientes para escribir las canciones de Grietas? ¿Qué sentimientos vamos a encontrar en este trabajo?

Es una mezcla ya que se ha escrito en un periodo largo pero creo que, sobre todo, habla del paso del tiempo y de la aceptación de la realidad que éste trae consigo.

-Dices (y nos encanta), que las canciones están vivas y evolucionan. ¿Cómo es eso?

No consigo tocar ni sentir una canción de la misma manera dos veces. Cada vez que canto siento cosas distintas y se mueven cosas diferentes dentro de mí. Supongo que depende del momento y de lo que me ha sucedido recientemente. Es bonito que sea así…

-Entonces, si normalmente, cada concierto tiene sus matices, en tu caso ¿Es una experiencia totalmente diferente?

Tampoco totalmente diferente, pero sí que hay formas muy distintas de sentir. Tambien el público y el espacio donde tocas afectan.

-Cuéntanos cómo es tu música y qué vamos a ganar/sentir escuchando Grietas, en disco o en directo.

Yo no puedo decir ni qué ganaréis ni que sentiréis escuchando mi música, pero sí que creo que sentiréis algo porque vierto muchas emociones en mis canciones y aunque no os gusten algo veréis… o eso espero.

-Grietas muestra a un Shuarma más maduro, más evolucionado,… ¿En qué momento estás, ahora mismo?

Pues yo cada vez creo que sé menos. La música es increíble y esta profesión es dura… Yo tengo la suerte de disfrutarla mucho y es cierto que cada vez aprendo más… pero hay tanto que recorrer, esto es un viaje y no hay parada final.

Gospel Soul nos propone un universo vocal rico y variado. Cada una de las voces nos muestra su historia personal y nos transporta a su universo particular. La voz es el canal de comunicación por excelencia, y las de Gospel Soul son incomparables y comunican de maravilla, se distinguen por su singularidad.

Cada una transmite un mensaje, mucho más allá del círculo cerrado de los integrismos y las intolerancias. Los textos unen y entran en resonancia con nuestro camino de vida. Gospel Soul posee la capacidad de crear una atmósfera cálida donde cada uno puede verse reconocido, saludado y amado.

Su fuerza emocional hace desaparecer cualquier barrera de lenguaje. Los artistas están conectados, por sus raíces y su herencia cultural, a una música y una historia que no son en absoluto dominio reservado de los afroamericanos. Una conexión que les permite recordar los clásicos más tradicionales y llevarlos al territorio blues y funk de Aretha Franklin, entre otros.

Gospel Soul ha actuado, en los últimos años, en diversas comunidades de España: Aragón, Baleares, Canarias, Cantabria, Castilla y León, Castilla La Mancha, Cataluña, Euskadi, Madrid, Murcia, Comunidad Valenciana… y en festivales destacados como el Festival Internacional de Música de Sabadell, Festival de Blues, Jazz i Gospel de Roses, Festival de las Tres Culturas de Murcia, Festival de Jazz de Borja, Festival Un Mundo de Voces de Santiago de Compostela o también en el prestigioso club Calle 54 de Madrid.

GOSPEL SOUL
DOMINGO 25 DE MARZO  20:00 H
SALA GALVEZ AUDITORIO DE ZARAGOZA

Primero apareció Gabriel Sopeña en el escenario para crear un clima cómplice que fue in crescendo a medida que se acercaba a algunos temas clásicos. Sopeña es, claro, un poeta, pero también un filósofo. El pensamiento más elevado fue abriendo el camino a “Julia Reis” –del estimable poeta jerezano José Mateos–, para desembocar en la mítica “Cass” o en “Apuesta por el Rock and Roll”. Sopeña, el hombre que respira detrás del último Loquillo, supo ganarse al público en una partida jugada a medias entre su voz y su oficio en la guitarra acústica, por un lado, e inteligentes dosis de humor, por otro. Recordó a Félix Romeo, que abandonó tan pronto una ciudad que lo necesitaba tanto.

Todo estaba preparado para recibir a un José María Sanz que arrancó recreando el ambiente de aquel Balmoral, que dio título y coherencia a su anterior disco. Fue el concierto de anoche un auténtico recital poético, una clase magistral en la que el músico barcelonés quiso dedicar unos segundos, antes de cada interpretación, a situar en su ámbito temporal y literario cada uno de los poemas. Y, tal y como anunció, por allí pasó una muestra de la mejor poesía española, europea y latinoamericana, directamente o sobrevolando: Luis Alberto de Cuenca, por supuesto, sobre cuya obra se ha levantado el último trabajo de Loquillo, pero también Bernardo Atxaga, Cesare Pavese, John Keats, Jaime Gil de Biedma, Georges Brassens y Paco Ibáñez, Mario Benedetti, Blas de Otero o Juan Eduardo Cirlot.

Los poemas de “La vida por delante” y de “Con elegancia”, que ya fueron en su día magistralmente musicados por Gabriel Sopeña, se mezclaron con los últimos de “Su nombre era el de todas las mujeres”, sin olvidar canciones que ya se han convertido en himnos y declaraciones de principios, como la versión de “La mala reputación” o “El hombre de negro”, que pusieron al público en pie.

Con “Brillar y brillar” volvió Sopeña al escenario, mano a mano. Y tanto él como Igor Paskual aparecieron para acometer ese cuerpo a cuerpo que Loquillo y Sopeña entablaron un día con el maestro Jacques Brel, ese “Con elegancia” que salió tan lleno de dignidad y trabajo bien hecho.

El Palacio de Congresos de la Expo no es el mejor espacio para un concierto como el que se vivió ayer en Zaragoza; un sitio demasiado desangelado que hacía pensar en las posibilidades que habría dado un lugar como el Teatro Principal, con un par de días en cartel, por ejemplo. Sin embargo, las dificultades que imponía ese “hospital de la música” –según la expresión feliz de Pedro Popker, que se encontraba entre el público– no fueron ningún obstáculo para un Loquillo que tuvo algo, aunque cueste creerlo, de bailarina de ballet, de mimo, de torero o de samurái o de Edith Piaf chante à l’Olympia. El Loco ha hecho un trabajo teatral, un entrenamiento gestual, digno de reconocimiento y los movimientos afilados y tajantes que son marca de la casa, y que aparecieron brevemente cuando el guión los exigía, se vieron sustituidos a lo largo de casi todo el concierto por sugerentes dibujos con un juego de brazos que hacía que lo que en otros hubiera significado exceso de histrionismo o invitación a la burla fuera en él un ejercicio de mimetización con lo cantado. Un tour de force, en definitiva, que hacía aparecer como más extraterrestre todavía a algún tipo que pensaba que seguía delante de Los Trogloditas.

Loquillo fue sincero con el público, confidente, agradecido, hábil en el manejo del humor, en una Zaragoza en la que se cerraba una etapa, en un mundo que anda desorientado y a la deriva y para el cual se atrevió a recomendar la belleza como medicina, lo necesario frente a lo fugaz, la poesía como esa arma que sigue estando –ayer lo comprobamos– cargada de futuro.

ENRIQUE CEBRIÁN ZAZURCA

AER acaba de lanzar su primer trabajo “Recuerdos del futuro”. Es éste un disco que no pretende dejar indiferente a nadie pero, en palabras de Eduardo Zubiaur, su cantante, no deja de ser una fotografía de familia en que es necesario “salir bien”. Esto implica que, para sacarle todo el jugo y el potencial a este grupo, original y plagado de talento musical, hay que disfrutarlo en directo. El próximo día 23 de marzo, en la sala Royal Club a las 22:15 tendremos la oportunidad de opinar sobre el directo de AER. Mientras llega, el pasado viernes, pudimos probar un adelanto con su acústico en la Fnac y, además, compartimos unos minutos para poder hacerles unas preguntas:

Eres un veterano de la música que se presenta, de nuevo, recién estrenado. ¿Qué es AER?

Es un nuevo grupo, hacemos rock,… y empezamos ahora con Recuerdos del futuro

Tus letras, muy elaboradas, chocan frente a un reinante pop aséptico comercial. ¿A qué tipo de público van dirigidas?

A alguien que no sea cualquiera. Podemos llegar a mucha gente pero no a cualquiera. Hacemos música para los amantes de la buena música y para los que, sin gustarles tanto, busquen música muy accesible.

Hemos oído que vuestra música tiene tintes de rock británico de los 90, rumba, pop,… ¿Cómo se define?

Es bastante inquieta. Cuando la vas a meter en la estantería parece que el cd se mueve. Es pop español. El pop y el rock llevan hermanados mucho tiempo. Como vemos mucho sucedáneo, versiones, copias de temas anteriores, más de lo mismo, nosotros nos lanzamos por algo diferente.

Un zaragozano más,… en Madrid, buscando su sitio fuera de casa. ¿Es una máxima tener que salir de casa para encontrar el éxito?

Si este país fuese distinto no sería una máxima pero hay que salir. No quiere decir que por salir vayas a conseguirlo pero lo más normal es que, quedándote en tu ciudad, en tu tierra, te limites a la región y no suenes más allá. No quiero decir que sea la última palabra. Héroes del Silencio son excepcionales y es un ejemplo de ello pero, la mayoría de la gente se ha tenido que ir, con suerte o sin ella.

“Recuerdos del futuro” es un trabajo de muchos años que ve la luz ahora. ¿Qué va a cambiar o qué puede cambiar en alguien tras escucharlo?

Fundamentalmente, “Recuerdos del futuro” presenta un mundo nuevo donde te puedes quedar bastante tiempo a vivir. Al crearlo, planteamos un mundo donde hay de todo: Las montañas, los árboles, el río, las casas, las personas,… hay sitio. No es algo plano sino vivo. Y transmitir, mucho: mucha emoción, mucha energía, originalidad, fuerza, calidad en la música. En definitiva, somos una banda y proyectamos un chorro de energía y de sonido, de calidad y en cantidad.

Puestos a elegir, disco o directo?

Ya sabes; el disco (risas). No; el directo mucho más. El disco es una fotografía como de familia y hay que salir bien, sereno, tranquilo porque es una foto que vas a ver siempre y no te convienen estridencias excesivas porque las vas a oír cada vez.

Desde luego, se vislumbra un potencial creativo que augura muchos y buenos temas en el futuro. ¿Cómo te ves en ese futuro?

Vemos que seguiremos adelante, ¡Por lo menos tres discos más! (risas) o los que haga falta. Más que cómo lo vemos, es que vemos futuro que es lo importante y ya es bastante porque requiere tener la suficiente imaginación.

La cantante Amaia Montero, recientemente homenajeada con un disco de platino por Amaia Montero 2, acaba de arrancar su gira presentación del disco en Donosti (Kursaal) y Bilbao (Teatro Arriaga). Acompañada por una banda de cinco músicos y un show muy cuidado, Amaia Montero se presentó el pasado fin de semana con gran acogida de público y crítica, interpretando temas de toda su trayectoria musical de más de 15 años.

El martes, 6 de marzo, Amaia Montero presentará las canciones de su nuevo álbum en el Teatro Circo Price (Ronda de Atocha, 35) de Madrid, y el 22 de marzo en el Palau de la Música Catalana de Barcelona. Durante el mes de marzo, la artista hará un paréntesis en su gira española para viajar a México, donde continuará con la promoción de su álbum Amaia Montero 2.

En su nuevo disco, Amaia Montero ha dado un paso al frente empuñando las riendas como cantante, compositora de todas las canciones y productora. Grabado en los míticos East West Studios de Los Angeles (Estados Unidos), en el álbum, junto a Amaia Montero han estado Paco Salazar y Sebastian Krys como coproductores y entre los músicos que han grabado el álbum están el batería Lee Levin (Calle 13, Shakira, Pink, Alejandro Sanz…), el bajista Paul Bushnell (Elton John, Phil Collins, Michael Bublé, Shakira, Jewel, Sinnead O’Connor, Katy Perry, Avril Lavigne, Faith Hill…), el teclista Roger J. Manning (fundador de la emblemática banda Jellyfish y sessionman con Beck, Johnny Cash, Juanes, Air…) y el legendario percusionista Luis Conte (Madonna, Sergio Mendes, Santana, Maná, Ricky Martin…). Junto a ellos, Jeff Babko (Robbie Williams, Sheryl Crow, Larry Carlton, Robben Ford…) al piano, Hammond B3, clavinet y trombón, y Jimmy Zambrano al acordeón entre los músicos foráneos, porque el español Paco Salazar ha grabado todas las guitarras, bouzuki, cavaquinho, programaciones y teclados, además de ser el director musical y coproductor del álbum.

Con su primer álbum en solitario, Amaia Montero fue nº1 en la lista de los más vendidos en España con tres Discos de Platino y consiguió el Premio 40 Principales 2009 al Mejor Álbum. Además fue Disco de Oro en Argentina y Venezuela, nominada a los Grammy Latinos en la categoría de Mejor Álbum Pop Vocal Femenino y elegida por votación popular Artista del Año en los premios Orgullosamente Latinos.

www.amaiaweb.es

Previo a la ceremonia de entrega de los XIII premios de la música aragonesa, Plaza Imperial se convierte en el escenario para poder conocer, disfrutar y acercar lo mejor que se está haciendo, hoy por hoy, en nuestra tierra, en cuanto a música se refiere.

A partir de mañana, viernes 17 y hasta el siguiente, 24, podremos disfrutar de un montón de actuaciones gratuitas con gente como Carlos Hollers, el gran humorista Javier Segarra, Pepín Banzo, Cristian Baquero, Esparatrapo y muchos más para pasar unas tardes inolvidables en el que se está consolidando como  “El centro de tus emoziones”, Plaza Imperial.

Echa un vistazo a la página de los conciertos para ir tomando nota y pasarte por Plaza Imperial a acabar el día con buena música.

Todo un planazo para disfrutarlo con “Emozión”

Albert Hammond vuelve a España para ofrecer una nueva tanda de conciertos. El cantante, compositor y productor nacido en Londres y que pasó su infancia en nuestro país no se prodiga en los escenarios, por lo que su nueva gira puede calificarse de excepcional. El éxito de su último álbum, Legend, ha sido una motivación extra para que vuelva a ofrecer sus grandes canciones, que son muchas, en concierto y, a falta de concretar fechas en Madrid, Oviedo, Málaga y Zaragoza, Albert Hammond actuará en:

25 febrero       Valencia (Palau de la Música)
30 marzo        Las Palmas (Auditorio Alfredo Kraus)
13 abril          Barcelona (Teatro Coliseum)

Albert Hammond realizó una gira el pasado año en España, coincidiendo con la publicación de Legend y de la entrega del Premio Latino de Honor con el que fue distinguido por la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música. Según la Academia “a través de este reconocimiento se quiere homenajear la contribución que ha demostrado a lo largo de todos los años dedicados a la música. El artista, autor y productor ha aportado creatividad y talento a la reciente historia de la música, tanto a través de sus éxitos como compositor como a través de la calidad de sus propias interpretaciones”.

Albert Hammond es toda una leyenda. Su último disco es el reconocimiento a una trayectoria y a unas canciones que, por primera vez, se han reunido en un álbum excepcional en el que Albert Hammond ha grabado a dúo con grandes artistas en castellano, inglés, francés e italiano sus temas más emblemáticos. En Legend, Albert Hammond canta con artistas españoles como Dani Martín, Rosario, David Summers, Julio Iglesias, Raphael, Ana Belén o Miguel Bosé y figuras internacionales como Al Stewart, Cliff Richard, Bonnie Tyler, Claudio Baglioni, su hijo Albert Hammond Jr. (The Strokes), Courtney Taylor (The Dandy Warhols), Ron Sexsmith y Jeane Manson.

Junto a ellos y en solitario, Albert Hammond recrea canciones emblemáticas, algunas de las que interpretaron en su día artistas como The Hollies, Whitney Houston, Tina Turner, Leo Sayer, Julio Iglesias y Willie Nelson, Starship, Chicago, Roy Orbison, Johnny Cash, Aretha Franklin y Elton John, Celine Dion, Diana Ross, Joe Cocker, k.d. lang, Josh Groban, Joe Dolan o Duffy (su más reciente producción), entre muchos otros. Canciones que han vendido más de 360 millones de discos en todo el mundo, con 30 éxitos en los primeros lugares de las listas de ventas.

Entre mis recuerdos, Al otro lado del sol, Las flechas del amor, Necesito poder respirar, Nunca llueve al sur de California, Échame a mí la culpa… Legend reúne por primera vez canciones que están en la memoria de todos, que han superado todas las fronteras, que ahora suenan nuevas. Forman parte de la historia de la música de los últimos 50 años y han sido hits en cada década. Son clásicos que ahora se recuperan. Son leyenda que ahora vuelven cantadas por su autor en sus conciertos en Valencia, Las Palmas y Barcelona.

El sábado, 14 de abril, La Oreja de Van Gogh actuará en Londres tras haber conseguido un éxito rotundo en Nueva York y en Madrid. El concierto en la capital británica será en Scala (275 Pentonville Road. Kings Cross) con apertura de puertas a las 20:00 horas. Las entradas ya se pueden comprar en www.rocksinsubtitulos.com.

El concierto de Londres se enmarca dentro de la gira en la que La Oreja de Van Gogh presenta su álbum Cometas por el cielo, nº1 y Disco de Platino en España. El pasado 26 de enero, la banda donostiarra actuó con gran éxito en The Grand Ballroom Manhattan Center de Nueva York, dias después de haber colgado el cartel de “No hay entradas” en el Teatro Arteria Coliseum de Madrid, donde puso en pie a las 1.400 personas que llenaban el recinto y que corearon las canciones de principio a fin. De su concierto en Nueva York, el Diario Vasco publicaba: “La Oreja de Van Gogh conquistó al público con un recorrido de temas de toda su discografía en casi dos horas de concierto. Pero al público no le pareció suficiente y les hicieron volver a salir hasta en dos ocasiones”.

La Oreja de Van Gogh, que volverá a Madrid para actuar el 11 de mayo en La Riviera, ganó recientemente el  Premio 40 Principales 2011 al Mejor Artista o Grupo y continúa su gira, cuyos próximos conciertos son:

Febrero

03 Sant Cugat del Vallés – Teatre Auditori

04 Vitoria -  Teatro Principal

08 Barcelona -  Palau de la Música Catalana

10 Granollers -  Teatre Auditori

11 Vic -  L’Atlantida. Centre d’Arts Escèniques d’Osona. Sala 1 Ramon Montanyà

25 Ávila – Auditorio Lienzo Norte

Marzo

23 Salamanca -  Multiusos Sánchez Paraíso

Abril

14 Londres -  Scala

21 Eibar Frontón Astelena

Mayo

11 Madrid -  La Riviera

www.laorejadevangogh.com

Después de su encierro creativo, Kravitz está listo para llevar su “BLACK AND WHITE AMERICA” a la carretera. Una gira internacional que le llevará por estadios, pabellones y salas de todo el mundo.

‘Black and White America’ se grabó en Paris y en las Bahamas. ¿Qué tienen de especial para ti estos dos lugares?

“Lo que hace especial las Bahamas es, en primer lugar… que la familia de mi madre procede de allÍ. Me eduqué allí en distintos momentos, cuando era niño, iba y venía. Es un lugar donde me siento de verdad muy cómodo. Vivo en una isla pequeña, en una ciudad pequeña, con poca gente, y me consideran alguien de allí, asÍ es. Es muy saludable contar con un lugar donde la gente no proyecta determinadas imágenes sobre ti, imágenes que parten del hecho de que eres famoso y todo eso. Así que he acabado construyendo un estudio de grabación increíble allí, que tiene todo lo que siempre he querido. Es… como estar en casa, sencillamente como estar en casa.

Por otro lado, París contrarresta todo eso. En las Bahamas vivo en un trailer en la playa, de forma muy sencilla. Todo consiste simplemente en hacer música, comer en el jardín, salir a comer a la playa. Cuando voy a París, es justo lo contrario; es la vida urbana, y vivo en una casa. Voy allí cuando quiero sentir un aire cosmopolita, cuando quiero ir a los museos y a las galerías de arte, comer buena comida y beber vino, ir a la opera y al ballet. Así que los dos lugares se complementan muy bien, porque son los dos extremos que me gustan.”

¿En qué se diferencia la inspiración que te proporciona las Bahamas y la que sientes en París?

La inspiración que surge en las Bahamas y en París en realidad depende de la energía. No es que escriba o que interprete mejor en un lugar que en otro. Lo que me da las Bahamas es el aislamiento, y un lugar donde resulta fácil encontrar música, donde escucho música todo el día, sueño con música. Estás en mitad de la naturaleza y, de alguna forma, no sé si son las olas o qué, pero ese lugar donde nace la música vibra aquí con mucha fuerza. Lo que me aporta París, lo que me interesaba de París, era que, después de haber estado en el campo durante tanto tiempo, grabando esta música, podía ir después a París, escucharla allí, mientras iba en coche por ahí, y escuchaba esta música que grabé en las Bahamas y de pronto esa música adquiría un sentido totalmente diferente para mí. Sonaba de forma totalmente distinta al estar en un lugar distinto. Y también el tono final de lo que había grabado era diferente en París, lo que fui añadiendo a mi música en París era distinto, era un tipo de sonido más eléctrico, más urbano. Acabé hacienda muchas mezclas de sintetizador y cosas así en París.”

¿Puedes contarnos qué significa el título “Black And white America” y de qué trata la canción?

“Black and White America es algo que, para mí, refleja perfectamente mi vida; quién soy, cómo crecí, lo que vi, la situación de mis padres, que eran una pareja interracial a principios de los sesenta. Y también tiene que ver con quienes somos ahora. La canción está inspirada en un documental que vi, en el que aparecen un grupo de americanos anclados en sus viejas creencias, en lo que aprendieron. No estaban de acuerdo en el rumbo que había tomado América. Obviamente no estaban de acuerdo en tener un presidente Afroamericano y estaban llenos de odio. Llegaban incluso a decir que iban a intentar que ese presidente no viviera mucho tiempo, que iban a tratar de que alguien se ocupara de él y que incluso había planes para ello… y ese tipo de cosas… Lo que de alguna manera fue un shock para mí, que soy una persona que no piensa en términos de raza, es que haya gente que todavía piense así. Y evidentemente yo conozco gente que piensa así, pero escucharlo de esa manera, en la televisión, en ese documental, de alguna forma me bloqueó durante un momento y me hizo pensar. El estribillo de ‘Black and White America’ es una respuesta a ese documental, y las estrofas hablan, una de Martin Luther King y de su misión y su razón de ser y otra de mis padres y de todo por lo que pasaron”.

Se trata de tu noveno disco de estudio. ¿Crees que es tu mejor trabajo?

“Defiendo todo lo que he hecho y me gusta todo lo que he hecho, si no, no lo hubiera publicado, pero hay algo en este disco que de verdad me conmueve, y siento que representa dónde he estado, dónde estoy ahora y hacia dónde voy. Hay algo en él que de alguna forma completa un círculo. Estoy muy contento, realmente muy contento con él. Estoy de verdad muy satisfecho creativamente. Me tomé el tiempo para hacer lo que había que hacer, grabé toda la música que hacía falta para poder completar todo el espectro, es decir, que sentí que realmente necesitaba más canciones para terminar todo el cuadro. Porque estilísticamente mi disco abarca muchas cosas, todos mis discos son así. Yo quería tocar todos los estilos y todos los sonidos posibles. Así que hay dieciséis temas en el álbum, aunque es un solo CD, yo lo veo como un doble álbum, porque yo sigo pensando en el términos de vinilo, es algo que nunca he dejado atrás. Para mí es como si fueran dos vinilos, con cuatro canciones por cara, y lo vamos a sacar así también. Es un disco doble, es lo que necesitaba.

¿Cuál fue tu mayor influencia durante el proceso de composición y grabación?

“Lo que influyó en mi durante la composición de este álbum fue precisamente no pensar en él, no preocuparme por él, no ir donde mi mente me obligaba a ir necesariamente, sino a ese lugar donde puedes ir y decir: bueno, voy a hacer este tipo de álbum, esto es lo que veo por mi mismo, y este espíritu creativo es lo que puede llevarte en una dirección completamente diferente. Así que para mí se trataba de estar relajado, disfrutando cada día, disfrutando la belleza del lugar en el que estaba, disfrutando de la gente y dejando que la música simplemente surgiese. Así es.”

¿Cuales son tus influencias musicales?

“La música me inspira todos los días, todo tipo de música, da igual. Acabo de venir de una sesión de fotos y hemos estado escuchando música de los cuarenta. Me encanta la música, ahora realmente hay un montón de cosas buenas que están saliendo, creo que el rumbo que están siguiendo muchos grupos y muchos artistas es realmente interesante y representan una reacción a la forma en que se han hecho las cosas en los últimos, digamos, diez años. Y me gusta mucho, la música está adquiriendo mucho carácter y mucha personalidad, porque las cosas se habían vuelto demasiado uniformes. Es difícil hablar de qué y quién porque la verdad es que escucho todo tipo de cosas, desde opera hasta, bueno… Little Dragon, o sea, todo.”

¿Cómo van apareciendo las canciones durante la creación del album?

“ Las canciones simplemente surgían. No sé, la verdad, de dónde vienen, puede parecer un poco raro, pero cuando termino una canción no puedo pensar en ella, y unos días después no soy capaz de darme cuenta de cómo ocurrió. Me desperté, tenía una canción en la cabeza, y me fui a la grabadora, creé una base, fui al estudio y empecé a montarla, haciendo nuevas grabaciones; y luego el tema siguió una dirección, luego otra, luego hice esto otro, hice los arreglos, añadí instrumentos de viento, cuerdas y sintetizadoresy percusión… y después ha seguido creciendo y creciendo, y es cuando llegaron los coros. Y de pronto aparece algo que existe realmente. Y mientras estoy dentro del proceso, porque lo hago casi todo yo mismo, si no todo, estoy demasiado ocupado para pensar. Salto de un instrumento a otro simplemente tratando de que el flujo continúe. Así que, cuando todo está terminado, me pregunto: ¿de dónde ha salido esto? Ya sabes, mientras lo hago estoy en una especie de frenesí.”

¿Tienes una canción favorita en el nuevo álbum?

“¿Si tengo una canción favorita? En realidad no. Tiendo a mirar el disco como si fuera una sola pieza. Es difícil decir si me gusta más una cosa que otra.”

Háblanos del nuevo single ‘Stand’ y del videoclip.

“El nuevo single ‘Stand’ es muy bueno, es muy especial. Coloqué un tono muy pop, casi exageradamente pop, sobre una base funk. Y definitivamente había una influencia muy fuerte de the Partridge Family, como puedes comprobar, pues es una de mis grandes influencias. La canción tiene un acorde de arpa en el centro y es obvio que en muchos de esos viejos temas de The Partridge Family que escuchábamos cuando veíamos la televisión de niños, había un acorde de arpa en las sintonías, y eso me gusta. Y lo que es interesante sobre la canción es que tiene un ritmo funky muy entusiasta, lleno de aire y de diversión. Pero, personalmente, para mí, la canción tiene un mensaje muy serio, porque si escuchas la letra, la letra habla de perseverar en la vida e ir hacia adelante, y cuando te golpean tienes que levantarte y seguir moviéndote y tienes que tener una actitud positiva y así. Pero el origen de la canción, bueno, trata de un amigo que se quedó paralizado de cintura para abajo. Y yo no estaba en el mismo país donde vive esta persona, un amigo muy cercano, como un hermano, y quería hacer algo que le transmitiera al menos una buena energía, porque era lo único que podía hacer. Puedes rezar, y puedes tratar de transmitir a alguien vibraciones positivas. Así que le escribí esta canción, y así fue, es lo que podía dar en ese momento. Y hoy, gracias a Dios, esta persona ya puede andar, puede volver a caminar sobre sus piernas, y de eso trata toda la canción.

El video es muy divertido, una comedia total. Creo que la gente no se va a dar cuenta, pero en realidad yo interpreto tres personajes en el vídeo. Todo el vídeo está basado en un programa concurso, como aquel que se llamaba ‘Let’s Make A Deal’ o algo así, un programa que mi abuela veía cuando yo era pequeño. Este tema habla de gente que pierde cosas y de cómo se enfrenta a ello, pero de una forma completamente cómica. Y la verdad es que fue muy divertido interpretar a los distintos personajes.”

¿Puedes hablarnos de tu colaboración con Craig Ross?

“Trabajar con Craig Ross es algo hermoso. Ha estado tocando conmigo desde la gira de ‘Mama Said’. Es el único aparte de mí que ha estado en todos los álbumes, aparte de los instrumentistas de viento. Lo grande de nuestra relación de trabajo es que no tengo que explicarle nada. Simplemente le digo… vaya, acabo de decir que no tengo que decirle nada y justo ahora digo lo que le tengo que decir… Bueno, me basta con decirle algo muy breve, como: vamos a hacer esto. O basta con ponerme a tocar y él sabe inmediatamente dónde ir y como tocar, y no nos pisamos el uno al otro. Actúa siempre como contrapunto a lo que yo toco y también domina muchos estilos, así que podemos movernos de un lado a otro y abarcar un territorio muy amplio, pero es alguien que todavía no ha sido suficientemente valorado. Este tipo es uno de los mejores guitarristas que existen y creo que merece más crédito.”

¿Puedes hablarnos de tu colaboración con Jay-Z?

“Tenía ganas de colaborar con Jay-Z de nuevo porque la propia canción me lo pedía. Quiero decir que no pienso en hacer determinadas cosas solo porque ‘oh, va a ser un gran acontecimiento, o porque ‘sería genial hacerlo’. Se trata de lo que necesite la canción, y por eso después de grabar ‘Boongie Drop’, escuché su voz en el centro de la canción. Me di cuenta de que lo que quería no era un solo de guitarra o cualquier otra cosa, sino que quería tener la voz de Jay, creo que tenía el carácter que estaba buscando. Así que le llamé, y es un tipo genial, me dijo que sí y le pusimos en el tema. Así de sencillo.”

Ahora que llevas 20 años trabajando en esto, ¿todavía te sorprendes a ti mismo?

“Yo no hablaría de sorpresa, pero sí que si hago algo que realmente siento, es una agradable sorpresa y lo valoro mucho. Es como: vaya, eso me encanta, me gusta el tono de eso, es algo inesperado. Pero no me quedo sorprendido diciendo: ¿cómo pude escribir esto?”, porque el tema simplemente aparece. Soy responsable de ello, pero, insisto, al mismo tiempo no lo soy.”

¿Sientes que todavía estás creciendo musical y espiritualmente?

“Oh, absolutamente. Siento que es como si estuviera empezando, no siento que haya hecho nada todavía. Si dejas de crecer estás muerto, creo yo. Tengo mucho que aprender, mucho que hacer en lo espiritual, llegar a algo más profundo. Pero ahí está la belleza de la vida, en seguir adelante.”

Con tantos artistas yendo y viniendo, ¿cuál es el secreto para mantenerse?

“Yo diría que el secreto para mantenerse es solamente ser fiel a uno mismo. Y, como decíamos antes, no hacer algo solamente por hacerlo. Yo estoy tratando de ser auténtico y de ser yo, y eso funciona. Y creo que la gente es capaz de ver la diferencia con algo falso o con algo que se hace solo por hacer negocio o para lanzar un tema de éxito. Cuando tienes una carrera larga, tienes tus momentos fuertes y débiles, pero tienes que seguir trabajando. Y lo bonito es que puedo dormir tranquilo porque sé que todo lo que he hecho es algo que quería hacer creativamente.”

¿Cuál es el momento de tu carrera del que te sientes más orgulloso?

“Desde un punto de vista personal, no tiene nada que ver con el premio en sí, pero cuando gané el premio MTV al mejor vídeo del año o como se llame, porque mi madre seguía viva y estaba allí. Y lograr estar con ella allí y ver su reacción y su alegría, antes de morir, fue un momento realmente bello para mí.”

¿Qué cabe esperar de la gira europea de Black and White?

“Va a ser muy funky. Tengo una banda increíblemente buena. Creo que la banda más potente que he tenido nunca, y estoy creando una buena atmósfera para tocar, con un buen escenario y materiales interactivos. Va a ser potente, va a estar muy bien, y vais a escuchar una gran creación musical.”

¿Ser padre es el trabajo más duro de todos?

“No, ser padre es lo más placentero, no puedo decir que sea un trabajo. Es la experiencia más agradable. Tengo una hija estupenda, sencillamente es increíble, no puedo describirlo. Es mi mejor amiga, estamos extremadamente unidos, hablamos varias veces al día, siempre estamos juntos. Y aprendo mucho de ella, y es un camino en ambas direcciones, ya sabes. El hecho de que mi hija trabaje en la industria del entretenimiento no cambia mi visión de la industria; la industria es lo que es, no puedo controlarlo. Lo que controlo es lo que yo produzco, y ella controla lo que ella hace tomando sus propias decisiones. Ya sabes, ella se educó con todo esto, así que lo ha tenido a mano desde que era una niña. Ha tenido una formación y se maneja tremendamente bien. Estoy muy orgulloso de cómo se mueve, es una rebelde, hace lo que quiere, como todos nosotros, pero ella tiene mucha clase.”

¿Cuál es el mejor consejo que te han dado?

“El mejor consejo que he recibido es que sea yo mismo, que es lo que mi familia me enseñó. Sencillamente, sé tú mismo. Sé fiel a ti mismo.”

¿Tienes algún mensaje para tus fans?

“Respeto y aprecio a la gente que me apoya, porque sin ellos, evidentemente, yo no estaría ahí. Y me encanta que sigan a mi lado y que sigan mi camino, les lleve donde les lleve, ¿sabes? Como artista solo puedes admirar algo así, que la gente emprenda el viaje contigo, por aquí y por allá, que siga contigo, que comparta la experiencia, y es muy importante contar con eso. Han sido enormemente fieles a mí, así que voy a darles lo mejor que tengo.”